Arte Cristiana n° 943 + pdf

Editoriale

di Umberto Bordoni

Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere. La Biennale d’arte di Venezia 2024 trova una sua convincente chiave di lettura nella figura dello straniero come emblematica di uno spaesamento esistenziale, prima ancora che migratorio, che connota la postmodernità. A tema la fatica dell’abitare: una condizione di estraneità costitutiva di un’epoca di transizione liquida e di evanescenza dell’orizzonte simbolico. Gli artisti resistono al disincantamento del mondo per vie sorprendentemente costruttive di meditato ritorno agli archetipi mitici di senso più che alle forme sintomatiche ed esacerbate della denuncia e dello sfogo.
L’Esposizione internazionale d’arte, a cura di Adriano Pedrosa, senza evadere dai temi politicamente corretti, con ampia attenzione a questioni di genere e all’emergenza di donne artiste, trova un suo viluppo convincente, dando spazio ad autori, provenienze e sviluppi inediti. Anche la silloge iconografica dei modernismi novecenteschi non occidentali, installata ai Giardini, esce felicemente dai conformismi di sistema e favorisce una pluralità di approcci.
Tra i padiglioni nazionali quello tedesco colpisce per la forza evocativa con la quale intreccia, in una sorta di eterno ritorno, visioni mitopoietiche del passato, uno scenario attuale post-apocalittico e una fantascientifica diaspora post-terrestre.
Notevole è la presenza del padiglione vaticano presso la casa di detenzione femminile della Giudecca: un esempio di come l’arte possa agire come strumento di ‘ridomesticazione’.
Benedicti Claustra Onlus all’Isola di San Giorgio Maggiore propone una installazione della scultrice belga Berlinde De Bruyckere: tre Arcangeli che sembrano sospesi tra cielo e terra, avvolti in teli di cera e drappi che conferiscono loro un’aura enigmatica. City of Refuge III, il nome dell’esposizione, evoca l’immagine biblica delle città di asilo per i reietti e nasce nel contesto di una narrazione post-pandemica.
Lo spazio sacro della Basilica palladiana genera un dispositivo complesso di installazione degli Arcangeli, non solo per un tema di visibilità e di scala, ma forse per una necessaria deframmentazione dell’opera tesa a proiettarla in dimensioni
differentemente liminali. Una tensione verticale anzitutto, ad articolare il tangibile e l’inaccessibile: piedestallo/statua, diaframma/specchio, asta/insegna. E poi a tessere un sistema complesso di rimandi tra il rudere della macchina tecnica, la figura del corpo umano/angelico dal volto velato, l’immagine riflessa come intreccio di relazione con l’intero edificio ma anche di moltiplicazione polisemica, e infine l’insegna con la sua tessitura densa di enunciazione, quasi una pelle primitiva del senso, come quella che avvolge il sacro libro nel coro. Una parabola del nostro tempo, dove gli Arcangeli sono le figure di commiato per una trascendenza perduta o i melanconici araldi di un ritorno del sacro.

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Una Paternità per Pompeo Ferrucci?
Riflessioni su un’iconografia di San Giuseppe col Bambino a partire da un inedito tondo marmoreo a rilievo

di Marco Coppolaro

L’articolo si concentra sull’iconografia di San Giuseppe con il Bambino, a partire dalla scoperta di un tondo inedito che raffigura questi soggetti a rilievo. L’opera è conservata a Roma, nell’antico Conservatorio della Santissima Concezione all’Arco di San Vito. La scultura presenta una soluzione compositiva specifica, nata a Roma nella prima metà del XVII secolo, che mostra San Giuseppe nell’atto di tenere il Bambino tra le braccia, in un intimo scambio di sguardi. A partire da questo schema, viene proposta un’ipotesi di trasmissione iconografica dall’antichità, in cui si combinano la rievocazione di una memoria culturale e un preciso modello figurativo. Tale modello può essere individuato anche nella statua classica di Sileno con il piccolo Dioniso, la cui struttura è incentrata sul concetto di paternità adottiva, come nel caso di San Giuseppe. Il rilievo – inserito in un processo di progressiva elaborazione dello stile iconografico cristiano – è attribuito a Pompeo Ferrucci, scultore nato a Firenze e attivo a Roma dalla metà del primo decennio fino alla fine degli anni Trenta del Seicento.

The article focuses on the iconography of St. Joseph with Child, starting with the discovery of an unpublished tondo depicting these subjects in relief. This artwork is preserved in Rome in the ancient Conservatory Santissima Concezione all’Arco di San Vito. The sculpture depicts a specific compositional solution, which originated in Rome in the first half of the 17th century, showing St. Joseph holding the Child in his arms in an intimate exchange of glances. Based on the scheme mentioned above, one case of iconographic transmission from antiquity is proposed, in which both the revival of a cultural memory and a specific model act in conjunction. This model can also be seen in the classical statue of Silenus holding the Infant Dionysus, whose structure is centred on the concept of adoptive fatherhood, as in the case of St. Joseph. The relief – included in a series of gradual refinements of the Christian iconographic style – is attributed to Pompeo Ferrucci, a sculptor born in Florence and active in Rome from the middle of the first decade to the end of the 1630s.

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Pittura, iconografia e spiritualità: l’affresco di Antonio Giuseppe Santagata al Santuario genovese di Nostra Signora della Guardia (1963-1967)

di Andrea Daffra

Il contributo indaga l’affresco realizzato da Antonio Giuseppe Santagata sulla volta centrale del Santuario di Nostra Signora della Guardia a Ceranesi, eseguito tra il 1963 e il 1967. Lo studio propone un’analisi approfondita della bibliografia e di documenti inediti provenienti dall’archivio personale dell’artista, conservato presso la Biblioteca Civica “Niccolò Cuneo” di Camogli. La metodologia di ricerca si basa sull’esame della corrispondenza, dei bozzetti preparatori e degli appunti dell’artista, al fine di ricostruire con precisione la genesi e la struttura dell’opera. Un aspetto centrale dell’indagine è rappresentato dalla lettura iconografica del dipinto, che approfondisce i significati simbolici e teologici insiti nella composizione. Questo contributo costituisce il primo studio organico dedicato all’opera di Santagata all’interno del santuario mariano, analizzandone sia le scelte stilistiche sia le intenzioni spirituali che hanno guidato il processo creativo.

This paper investigates the fresco painted by Antonio Giuseppe Santagata on the central vault of the Sanctuary of Nostra Signora della Guardia in Ceranesi, completed between 1963 and 1967. It offers an in-depth examination of bibliographic material and unpublished documents from the artist’s personal archive, preserved at the Biblioteca Civica “Niccolò Cuneo” in Camogli. The research methodology includes the analysis of correspondence, preparatory sketches, and Santagata’s personal notes to accurately outline the genesis and structure of the work. A key focus of the investigation is the iconographic reading of the painting, which delves into the symbolic and theological meanings inherent in the composition. This contribution represents the first structured study dedicated to Santagata’s work within the Marian sanctuary, examining both his stylistic choices and the spiritual intentions behind his creative process.

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Un Giudizio o una commendatio? Appunti su un’insolita figurazione funeraria trecentesca in casa Minerbi-Dal Sale a Ferrara

di Dario De Cristofaro

Nel salone principale della residenza quattrocentesca appartenuta alla famiglia Dal Sale, importante casato ferrarese, si trova una singolare raffigurazione devozionale-funeraria. Questa rappresentazione è unica nel suo genere, poiché fonde elementi della commendatio e del Giudizio Universale, configurandosi come un esempio del tutto inedito all’interno di un contesto abitativo.

In the grand hall of the fourteenth-century residence once belonging to the Dal Sale family, a prominent Ferrarese lineage, there is an unusual devotional-funerary depiction. This portrayal is unique, blending elements of the commendatio and the Last Judgment, making it an entirely unprecedented example within a residential context.

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Da Audenarde a Chieri: l’Annunciazione di Gillis Tavernier

di Bernardo Oderzo Gabrieli

L’articolo esamina l’affresco dell’Annunciazione datato 1469, conservato nel Santuario dell’Annunciata a Chieri. Questo caso arricchisce le conoscenze già acquisite sulle opere e sui maestri fiamminghi del XV secolo attivi a Chieri. Recenti dati d’archivio identificano il pittore come Gillis Tavernier, membro di una prestigiosa dinastia artistica di Audenarde e cugino del celebre miniatore Jan de Tavernier, con il quale condivideva modelli figurativi. A Chieri, l’attività di Gillis è collegata alla famiglia Villa, in particolare a Claudius e al prelato di Lovanio Henric Rampart. Approfonditi studi tecnici sul dipinto murale hanno inoltre messo in luce caratteristiche distintive riconducibili alla cultura materiale nordica, come l’impiego del pressbrokat e l’uso di polvere di vetro incolore mescolata a strati di lacca rossa.

This article examines the Annunciation fresco dated 1469, preserved in the Santuario dell’Annunciata in Chieri. This case enriches the existing knowledge of 15th-century Flemish works and masters in Chieri. Recent archival data identify the painter as Gillis Tavernier, a member of a prestigious artist lineage from Audenarde and cousin to the famous illuminator Jan de Tavernier, with whom he shared models. In Chieri, Gillis’s work is associated with the Villa family, particularly Claudius and the Louvain prelate Henric Rampart. In-depth technical studies of the Chieri wall painting reveal distinctive features closely tied to a northern material culture, such as the use of pressbrokat and colorless glass powder mixed with red lake layers.

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